Film müziği anlatı hizmetinde orkestrasyondur. Her orkestrasyonel karar görüntüyü desteklemeli ve dramatik etkiyi yükseltmelidir.
GÖRÜNTÜ İÇİN ORKESTRALAMA
Film müziği konser müziğinden tek bir temel açıdan farklıdır: müzik kendisine değil bir görüntüye hizmet eder. Her orkestralama kararı şu soruyu yanıtlamalıdır: bu, ekranda olanı destekliyor mu?
Bu, film müziklerinin sanatsal açıdan aşağı olduğu anlamına gelmez. Bernard Herrmann, Ennio Morricone, John Williams, Jerry Goldsmith ve Jonny Greenwood, 20. ve 21. yüzyılların en yaratıcı ve etkili orkestra müziklerinden bazılarını özellikle film ortamında yarattı.
BERNARD HERRMANN: PSİKOLOJİK ORKESTRALAMANIN USTASI
Bernard Herrmann'ın Alfred Hitchcock için müzikleri, sinema tarihinde orkestralamanın psikolojik etki için en analitik kullanımını temsil eder.
"Psycho" (1960) yalnızca yaylılar kullanır — nefesli yok, bakır nefesli yok, perküsyon yok — ama azami dehşet ve kaygı yaratan birleşimlerde ve rejistrlerde. Ünlü duş sahnesi tiz bir rejistrde hızlı yinelenen-nota figürleriyle çığlık atan sul ponticello kemanlar kullanır. Ana jenerik soğuk, itici yaylı ostinatoları kullanır. Paletin yaylılarla sınırlanması, bakır nefeslilerin ya da tahta nefeslilerin dağıtacağı klostrofobik bir mahremiyet yaratır.
"Vertigo" (1958) tam orkestrayı kullanır ama rejistrler arasında sürekli hareket, dairesel melodik örüntüler ve zengin Romantik armoninin disonant kontrpuanla birleşimiyle — hepsi filmin takıntı, baş dönmesi ve geçmişi geri yakalamanın imkânsızlığı temalarına hizmet eder.
JOHN WILLIAMS VE NEO-ROMANTİK GELENEK
John Williams'ın orkestralaması bilinçli olarak neo-Romantiktir — yaklaşımını Holst, Walton ve Richard Strauss'un orkestralama sözcük dağarını popüler sinemaya uygulamak olarak tanımladı. Star Wars için müzikleri (1977–) leitmotif sistemini (her karakterin belirli bir orkestralamayla ilişkili bir teması var) ana akım ticari sinemaya uygulanmış olarak gösterir.
Williams'ın orkestralaması netliğiyle dikkat çeker: en yoğun aksiyon sekansında izleyici birden çok orkestra sesini aynı anda izleyebilir çünkü onlar rejistr, tını ve artikülasyonla dikkatle ayrılmıştır.
HANS ZIMMER VE MELEZ MÜZİK
Hans Zimmer'in yaklaşımı canlı orkestra kaydını elektronik prodüksiyon, örnekler ve alışılmadık solo çalgılarla birleştirir. "Inception" (2010) ve "Dunkirk" (2017) için müzikleri orkestralamayı melodik anlatı yerine doku ve atmosfer olarak kullanır — Williams yaklaşımının tersi.
Zimmer, Remote Control Productions web sitesi aracılığıyla erişilebilen medya röportajlarında orkestralama felsefesi hakkında kapsamlı biçimde konuştu: amaç, o etkiyi başaran her kaynak birleşimini kullanarak ses yoluyla içgüdüsel fiziksel yanıt yaratmaktır.
PRATİK FİLM ORKESTRALAMASI
Film orkestralaması şunları düşünmelidir:
Diyalog boşluğu: müzik konuşulan diyalogla (öncelikle 300 Hz–3 kHz) aynı frekans alanını işgal etmemelidir. Diyalog sahneleri sırasında pes yaylılar ve tiz nefesliler orta menzil çalgılarından daha güvenlidir.
Senkron noktaları: müziğin görsel olaylarla kesin biçimde hizalanması gereken belirli anlar. Orkestralama bu anları net biçimde iniş yapabilmelidir.
Duygusal ön sezi: film müziği çoğu zaman sonraki sahnenin duygusal içeriğini önceden haber verir, ön sezi yaratır. Orkestralama bu ön seziyi biçimlendirir.
Karakter çağrışımı olarak tını: belirli çalgılar karakterlerle ya da temalarla ilişkilendirilebilir. "Schindler's List"te Schindler için obua, sayısız filmde aşk temaları için korno.
ENNIO MORRICONE: GELENEKSEL OLMAYAN ORKESTRA
Ennio Morricone'nin müzikleri film orkestralamasının standart senfoni orkestrasına bağlı olmadığını gösterir. Sergio Leone'nin "spagetti westernleri" için çalışması — "A Fistful of Dollars" (1964), "For a Few Dollars More" (1965), "The Good, the Bad and the Ugly" (1966) ve "Once Upon a Time in the West" (1968) — geleneksel orkestra çalgılarının yanında ıslık, elektrik gitar, çene arpı, alışılmadık perküsyon, sözsüz vokal soloları ve kromatik mızıka kullandı. Sonuç, bu filmlerin görsel kimliğinden ayrılmaz hale gelen bir sonik dünyadır.
Morricone'nin sonraki müzikleri ("The Mission", "Cinema Paradiso", "The Untouchables") daha geleneksel orkestra kaynakları kullandı ama belirli tınısal seçimlere aynı özenle. "The Mission"ın obua teması yaklaşımını örnekler: seyrek eşliğin üstünde net biçimde projekte etmesine olanak tanıyan bir rejistrde, en ifadeli tahta nefeslide basit bir ezgi.
JERRY GOLDSMITH VE SALDIRGAN ORKESTRALAMA
Jerry Goldsmith belki de 20. yüzyılın sonunun teknik açıdan en yenilikçi film orkestralamacısıydı. "Planet of the Apes" (1968), "Patton" (1970), "Chinatown" (1974), "The Omen" (1976) ve "Alien" (1979) için müzikleri alışılmadık sesleri — hazırlanmış piyano (teller arasına nesneler yerleştirilmiş), echoplex-gecikmeli bakır nefesliler, kayıtlı Latince ilahiler ("The Omen"da) ve alışılmadık perküsyon — ana akım film müziğine soktu. "The Omen" 1977'de En İyi Özgün Müzik Akademi Ödülü'nü kazandı; çok daha sonrasına kadar bunu başaran tek korku filmi müziği.
JONNY GREENWOOD VE ÇAĞDAŞ FİLM MÜZİĞİ
Jonny Greenwood (Radiohead'den) 21. yüzyılın başının en ayırt edici film bestecilerinden biri olarak ortaya çıktı. Paul Thomas Anderson ("There Will Be Blood", 2007; "The Master", 2012; "Phantom Thread", 2017) ve Jane Campion ("The Power of the Dog", 2021) için müzikleri modernist klasik teknikleri (Ligeti, Penderecki, Krzysztof Komeda) rock etkili duyarlılıklarla harmanlar. "There Will Be Blood" Daniel Day-Lewis'in petrol baronu takıntısı canlandırmasına müzik yapmak için Penderecki üslubunda küme yaylı yazısını daha geleneksel orkestra dokularının yanında kullanır.
JÓHANN JÓHANNSSON, HILDUR GUÐNADÓTTIR VE YENİ MİNİMALİZM
Bir kuşak daha genç film bestecisi — Jóhann Jóhannsson ("Arrival", "Sicario"), Hildur Guðnadóttir ("Joker", Akademi Ödülü'nü kazandı), Mica Levi ("Under the Skin", "Jackie") ve Nicholas Britell ("Moonlight", "If Beale Street Could Talk") — minimalizmden, post-minimalizmden ve elektroakustik müzikten yararlanan bir film müziği deyimi geliştirdi. Bu müzikler çoğu zaman ezgi yerine dokuyu ve atmosferi vurgular ve alışılmadık ya da standart-dışı topluluklar kullanır.
SPOTTING VE GEÇİCİ MÜZİK İZLEME
Profesyonel film müziği süreci "spotting" ile başlar — yönetmen, kurgu editörü ve bestecinin hangi sahnelerin müziğe ihtiyacı olduğuna, her kuyruğun ne zaman başlayıp bittiğine ve her kuyruğun dramatik olarak neyi başarması gerektiğine karar verdiği bir toplantı. Besteci tipik olarak her giriş ve çıkış için zaman kodlarıyla bir "spotting listesi" hazırlar. Kurgu sırasında, görüntü kurgusunu müziğe karşı test etmek için çoğu zaman "geçici müzikler" (başka filmlerden ya da ticari kayıtlardan geçici müzik) kullanılır — ve geçici müzikler bestecinin nihai seçimlerini bazen aşırı ölçüde etkileyebilir. Birçok yönetmen belirli geçici müziklere bağlanır; besteciler üzerinde taklit etme baskısı yaratır.
SENKRON NOKTALARI VE VURUŞ NOKTALARI
Bir "vuruş noktası", filmde müziğin belirli bir görsel olayla hizalanması gereken bir andır — bir yumruk, bir öpücük, çarpan bir kapı, bir karakterin ilk görünüşü. Besteciler kesin hizalama sağlamak için kronometreler ve SMPTE zaman kodu (bazen dijital iş istasyonlarına senkronize) kullanır. Modern müzik metronom kanalları kullanır: şefin kulaklığında belirli bir tempoda bir metronom sesi, bazen kesin vuruş-noktası hizalaması için belirli karelerde tempo değiştirir. Bu şefler ve çalıcılar için teknik açıdan zorlayıcıdır ama eski "serbest-tempo" yöntemlerinin eşleşemediği bir senkron doğruluğu üretir.
DİYALOG FREKANS YÖNETİMİ
İnsan diyaloğu yaklaşık 300 Hz ile 3 kHz arası frekansları yoğunlaştırır; azami anlaşılırlık 1–3 kHz menzilindedir. Diyalog sırasında bu aynı menzili işgal eden müzik ya diyaloğu maskeler ya da diyalog editörünün müzik dinamiklerini aşağı itmesini gerektirir (bir "ducked" etkisi yaratır). Yetenekli film orkestralamacıları diyalog sahneleri için bu menzilin dışındaki frekansları işgal eden müzik yazar — pes yaylılar, pes bakır nefesliler, tiz nefesliler — konuşma bandını net bırakır. Diyalog bittiğinde müzik orta menzili doldurmak için genişleyebilir.
KARAKTER TEMALARI VE ÇAĞRIŞIMSAL TINI
Belirli çalgılar bir film müziğinde çoğu zaman belirli karakterlerle ya da fikirlerle ilişkilendirilir. "Dvořák'ın Yeni Dünya"sının tekinsiz ezgileri için korangle, John Williams'ın ellerinde ("Schindler's List") Yahudi tarihinin ve trajedisinin sesi oldu. Korno evrensel "kahramanca" sestir — Wagner'den Strauss'a, Williams'ın Star Wars'ına. Pes bir rejistrde, çoğu zaman söndürülmüş ya da işlenmiş piyano, 1990'lar gerilim filmlerinde bir gerilim sonik imzası oldu. Distorsiyonlu solo elektrik gitar, Jerry Goldsmith'in "Twilight Zone" bölümlerinde ve daha sonra sayısız korku filminde bir korku işaretçisi oldu.
EGZERSİZ: GEÇİCİ MÜZİK ÇÖZÜMLEMESİ
İyi bilinen bir film sahnesi bulun ve (hiçbir şey bestelemeden) hangi çalgıları ve neden kullanacağınıza dair kısa bir betim yazmaya çalışın. Düşünün: ekranda ne oluyor? Sahne hangi duyguyu gerektiriyor? Diyalog boşluğu ihtiyaçları var mı? İfade edilecek bir karakter teması var mı? Sonra gerçek film müziğini bulun ve yaklaşımınızı bestecininkiyle karşılaştırın. İkinci bir egzersiz olarak, tanıdık bir filmden bir sahneyi sessize alın ve müziksiz izleyin — sonra müzikle yeniden izleyin. Müziğin tam olarak neyi kattığını not edin: duygusal içerik, anlatısal tempo, atmosferik derinlik.