20. yüzyıl, Batı müziğini parçalara ayırdı. Schoenberg tonaliteyi terk etti. Stravinsky ilkelcilikle Paris'i şoke etti. Bu sırada New Orleans'ta caz doğuyordu — ve popüler müzik bir daha asla eskisi gibi olmayacaktı.
20. yüzyıl, Batı müziğinde tonalitenin icadından bu yana en radikal dönüşümü getirdi ve müzik dilinde o kadar köklü bir parçalanma yarattı ki yüzyılın ortasına gelindiğinde hiçbir üslup, gelenek ya da estetik değerler bütünü tonalitenin daha önce sağladığı türden geniş bir kültürel otorite iddia edemiyordu. Bu parçalanmanın birbirine yakınsayan birden fazla nedeni vardı: Darwin'in, Freud'un ve Nietzsche'nin insan doğası ve toplumsal ilerlemeye dair varsayımlar üzerindeki felsefi etkisi; Birinci Dünya Savaşı'nın travmatik deneyimi ve Avrupa'nın akla ve uygarlığa duyduğu güveni yıkması; etnografik kayıtlar ve uluslararası sergiler aracılığıyla Avrupalı bestecilerin giderek daha çok erişebildiği Batı dışı müzik geleneklerinin (Afrika davulu, Endonezya gamelanı, Japon saray müziği) etkisi; ve Wagner ile ardıllarının daha fazla genişlemenin ya çözülme ya da kopuş gerektirdiği bir noktaya kadar zorladığı tonal geleneğin kendi iç mantığı.
Arnold Schoenberg (1874-1951) kopuşu seçti. 1909'da bestelediği Üç Piyano Parçası Op. 11 tonal merkezleri tümüyle bıraktı ve müzikal malzemeyi tona ya da tonal sistemin hiyerarşik akor ilişkilerine başvurmadan düzenledi. Bu serbest atonaliteyi, Schoenberg'in yeni bir düzenleme ilkesi aradığı yıllar süren bir kompozisyon sessizliğinin ardından on iki ton tekniğinin geliştirilmesi izledi: on iki kromatik sesin hepsinin önceden belirlenmiş bir dizi (seri) halinde sıralandığı ve kompozisyonun tümüyle bu dizinin ve permütasyonlarının dönüşümlerinden (geriye dönüş, evrilme ve transpozisyon) üretildiği bir kompozisyon yöntemi. On iki ton tekniği, tonalitenin örtük düzeninin yerine farklı türde açık ve matematiksel olarak belirlenmiş bir düzen koydu. Öğrencileri Alban Berg (1885-1935) ve Anton Webern (1883-1945) tekniği birbirine zıt yönlerde genişletti: Berg tonal göndermeleri hiçbir zaman tümüyle bırakmayan lirik bir ekspresyonizme doğru; Webern ise bazı bölümleri bir dakikadan kısa süren aşırı bir yoğunluk ve tutumluluğa doğru. Webern'in bu yönelimi, savaş sonrasında Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen ve Darmstadt Okulu'ndaki çağdaşlarının geliştirdiği seri tekniği önceden haber veriyordu.
Igor Stravinski (1882-1971) modernizmde farklı bir yol izledi: yeni bir kompozisyon dilinin sistemli olarak geliştirilmesi değil, onu yüzyılın en çok yönlü ve en etkili bestecisi yapan bir dizi üslupsal yeniden doğuş. Rus Baleleri için yazdığı erken partisyonlar (Ateş Kuşu, 1910; Petruşka, 1911; ve hepsinden önemlisi Bahar Ayini, 1913) Rus halk müziği malzemesini son derece ileri bir armonik dil ve gerçekten eşi görülmemiş bir ritmik vahşilikle buluşturdu. Bahar Ayini'nin 29 Mayıs 1913'te Paris'teki prömiyeri, konser tarihinin belki de en ünlü dinleyici kargaşasına yol açtı: gürültünün efsanenin iddia ettiği gibi tam bir isyan mı, yoksa dinleyici grupları arasında daha sınırlı ama gerçek bir çatışma mı olduğu tartışılsa da olay, yüzyılın ciddi müziğini belirleyecek avangart sanat hırsı ile kamu beklentisi arasındaki kopuşu somutlaştırdı. Stravinski daha sonra Barok ve Klasik modelleri modernist bir mercekle yeniden yorumladığı neoklasisizme geçti ve kariyerinin sonlarında on iki ton tekniğini benimsedi; onu sistemli bir seri müzik karşıtı olarak görenleri şaşırtan son bir yeniden doğuş.
Paris'te çalışan ve yakın kültürel çevresinin simgeci şiirinden ve izlenimci resminden beslenen Claude Debussy (1862-1918), hem Alman Romantizminin yapısal ağırlığından hem de Schoenberg atonalitesinin sistemli soyutlamasından kaçınan bir renk ve atmosfer dili yarattı. Modal diziler, paralel akor hareketleri, Batı dışı geleneklerden alınan pentatonik dizi ve tam ton dizisini kullanarak tonal çekime karşı zorlanmak yerine ondan bağımsız yüzen armonik yüzeyler yarattı. Mallarmé'nin şiirine dayanan akışkan ve duygusal bir orkestra bölümü olan Bir Faunun Öğleden Sonrasına Prelüd (1894), Stravinski'nin ve Schoenberg'in daha sert kopuşlarından önce gelen ilk belirgin modernist eser olarak anılır. Avrupa sanat müziği bu yarışan deneylerle parçalanırken, Amerika Birleşik Devletleri'nin güneyinde Afro-Amerikan müzik kültüründen paralel ve aynı ölçüde önemli bir gelenek gelişiyordu. Caz 1900 civarında New Orleans'ta, Batı Afrika ritim pratiklerini, blues'un melodik dilini ve Avrupa armoni dağarını yeni bir doğaçlama geleneğinde birleştirerek doğdu; 1920'lerde Chicago'ya ve New York'a ulaştı ve 1930'lara gelindiğinde Amerika'nın egemen popüler müziği oldu; aynı sırada konser salonunu dönüştüren Avrupa avangardından tümüyle ayrı, kendi biçimsel yenilik geleneğini taşıyordu. 1960'larda La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich ve Philip Glass'ın çalışmalarıyla ortaya çıkan Amerikan minimalizmi, Avrupa seri müziğine bir başka alternatif sundu: Avrupa geleneği kadar Hint klasik müziğinden, Afrika davulundan ve rock'tan da beslenen, yavaş değişime, yinelenen ritmik yapılara ve konsonant armoniye dayanan bir estetik. Reich'ın Drumming'i (1971) ve Glass'ın Einstein on the Beach'i (1976), minimalizmi yüzyılın halka en açık avangart akımı olarak yerleştirdi; akım sonunda pop ve film müziği bağlamlarına geçti ve Brian Eno'dan Arvo Pärt'a ve Max Richter'e kadar sanatçıları etkiledi. Özetle 20. yüzyılın klasik müziği tek bir gelenek değil, üç yüzyıl boyunca Avrupa müziğini birleştiren ortak tonal dilin çöküşünden sonra müziğin ne yapması ve kime seslenmesi gerektiği sorusuna her biri farklı bir cevap veren, bir arada var olan ve birbiriyle yarışan çok sayıda gelenekti. Savaş sonrası dönem ayrıca musique concrète'in yükselişine tanık oldu: gerçek dünyadan kaydedilmiş seslerden bant kurgusu ve hız değişimiyle bestelenen müzik; 1948'den itibaren Paris'te Radiodiffusion Française'de Pierre Schaeffer öncülüğünde gelişti. Karlheinz Stockhausen bunu 1950'lerin başından itibaren Köln'de doğrudan elektronik olarak üretilmiş seslerle besteleyerek gerçek anlamda elektronik müziğe taşıdı; bir oğlan sopranonun işlenmiş sesini elektronik olarak üretilmiş seslerle birleştiren Gesang der Jünglinge (1956), 20. yüzyılın dönüm noktası eserlerinden biri olmayı sürdürüyor. New York'ta çalışan ve Zen Budist felsefesinden beslenen John Cage avangardı kompozisyonun kendisinin ötesine taşıdı: icracının dört dakika otuz üç saniye boyunca hiçbir şey çalmadığı, notaya alınmış bir eser olan 4'33" (1952), dikkat çerçevesi var olduğunda bir icra mekânındaki bütün ortam seslerinin müzik oluşturduğunu öne sürdü; müziğin tanımı açısından sonuçları yetmiş yıl sonra hâlâ tartışılan kavramsal bir jest.