Hint klasik müziği iki birbirine bağlı kavram üzerine kuruludur — raga ve tala — birlikte melodik ve ritmik bir sistem yaratırlar.
Raga: Diziden Fazlası
Sanskritçe raga sözcüğü "renk", "ton" ya da "tutku" anlamına gelir. Raga yalnızca kullanılabilecek perdeleri değil, bu perdelerin kullanımını yöneten kuralları da belirleyen bir ezgi çerçevesidir: hangi notalarla çıkılabileceği, hangileriyle inilebileceği, hangilerinin vurgulanması gerektiği, hangilerine belirli yönlerden yaklaşılması gerektiği, hangi süslemelerin zorunlu olduğu, raganın hangi duygusal niteliği (rasa) anlattığı ve günün hangi saatinde ya da hangi mevsimde icra edilmesi gerektiği.
Natya Şastra (Bharata Muni'ye atfedilir, kabaca MS ilk yüzyıllar) ragadan önceki jati adlı ezgi tiplerini anlatır; raga kavramı ilk kez Matanga'nın Brihaddeşi'sinde (yaklaşık dokuzuncu yüzyıl) açıkça tanımlanır ve sonraki pek çok incelemede, en önemlisi Şarngadeva'nın Sangita Ratnakara'sında (on üçüncü yüzyıl) sistemleştirilir. Bugün karşılaştığımız raga sistemi bin yılı aşkın kesintisiz kuramsal gelişmenin ve pratik aktarımın ürünüdür.
Hindustani (Kuzey Hindistan) klasik müziği adı konmuş yüzlerce raga tanır; kuramcılar bunları ana dizilerine göre ailelere (thaat) ayırır. Vişnu Narayan Bhatkhande'nin (1860-1936) kurallaştırdığı ve bugün kurumsal eğitimde yaygın olarak kullanılan on thaat sistemi, ragaları Batı modal dizilerine benzeyen dizi tiplerine yerleştirir; ama bu, daha karmaşık bir temel sistemin yirminci yüzyılda yapılmış öğretimsel bir basitleştirmesidir.
Çıkış, İniş ve Karakteristik Cümleler
Her raganın birbirinden farklı olabilen ve bazı notaları atlayabilen bir aroha'sı (çıkış) ve avaroha'sı (iniş) vardır. Örneğin Raga Bhairav hem çıkışta hem inişte pest ikinci (komal re) ve pest altıncı (komal dha) derece kullanır; ama bu iki perde düz tutulmaz, yavaş bir salınımla (andolan) söylenir ve raganın karakteri büyük ölçüde bu salınıma dayanır. Bu kurallar soyut kuramsal yapılar değil, eğitimli her Hindustani müzisyenin bedensel bilgisinin parçasıdır.
Diziden daha ayırt edici olan her raganın karakteristik cümlesidir (pakad ya da vişeşa sançara): eğitimli bir dinleyiciye ragayı hemen tanıtan kısa bir ezgi motifi. Bir sitarist doğaçlamaya başladığında ragayı dizisini çalarak değil, karakteristik cümlesini çalarak duyurur. Ardından gelen bütün icra bu ilk duyuruyu işler.
Tala: Ritim Döngüsü
Tala (ritim döngüsü) Hint klasik müziğinin öteki temel kavramıdır. Tala, tabla ya da başka bir vurmalı çalgıda bir vuruş kalıbıyla işaretlenen sabit uzunlukta bir ritim döngüsüdür. En yaygın talalar şunlardır:
- Tintal: 16 vuruş, 4+4+4+4. Orta tempolu Hindustani besteleri için standart tala.
- Ektal: 12 vuruş, 2+2+2+2+2+2. Çoğu zaman daha yavaş (vilambit) bestelerde kullanılır.
- Jhaptal: 10 vuruş, 2+3+2+3.
- Rupak: 7 vuruş, 3+2+2.
- Keherva: 8 vuruş, 4+4. Daha hafif klasik ve yarı klasik türlerle ilişkilidir.
Tabla adları olan hecelerden (bol: dha, dhin, tin, ta, na, ge, ke) oluşan bir kalıp çalar; bu heceler hem ritim yapısını işaretler hem de başlı başına bir kompozisyon sistemi oluşturur. Bir tabla solosu bu hecelerin tala döngüsüne uyacak biçimde sistemli olarak birleştirilip yeniden birleştirilmesiyle kurulur.
Sam (döngünün ilk vuruşu) yapısal varış anıdır: doğaçlamayla eşliğin buluşması gereken nokta. Usta icracılar samdan uzaklaşma ile ona dönme arasındaki gerilimle oynayarak ritmik bir gerilim ve çözülme yaratır.
Klasik Bir İcranın Yapısı
Eksiksiz bir Hindustani klasik icrası her biri daha hızlı olan aşamalar hâlinde açılır. Alap, icracının ritim eşliği olmadan ragayı nota nota, cümle cümle tanıttığı yavaş, ölçüsüz açılış bölümüdür. Büyük bir alap otuz-kırk dakika sürebilir. Ardından jod, tala olmadan bir nabız getirir. Jhala hızlı tel vuruşu kalıplarıyla hızı daha da artırır. Son olarak gat belirli bir talada bestelenmiş bir ezgi getirir ve tabla girer: doğaçlama (vistar) bestelenmiş ezgiye (mukhda) dönüşlerle dönüşümlü ilerler ve kapanıştaki tihailere (üç kez yinelenip samda biten cümleler) doğru yükselir.
Bu yapı katı bir formül değil öğretimsel bir çerçevedir. Büyük icracılar alttaki mantığı koruyarak beklenen sırayı düzenli olarak bozar.
Guru-Şişya Paramparası
Hindustani klasik müziği yüzyıllardır guru-şişya paramparası (usta-öğrenci soy zinciri) aracılığıyla aktarıldı. Öğrenci guruyla birlikte yaşar, kamu önünde çalmadan önce yıllarca gözlemler ve taklit eder. Aktarılan bilgi yalnızca teknik değildir; gurunun ragayı yorumlayışını, uygun duygusal yaklaşımı ve soyun (gharana) sanatsal sırlarını (rahasya) da içerir.
Hindustani ses ve çalgı müziğinin her biri kendine özgü üslup özellikleri taşıyan birkaç büyük gharanası (okulu) vardır: ses müziğinde Jaipur-Atrauli, Agra, Kirana ve Patiala; çalgı müziğinde Maihar. Bir icracının gharana kimliği süsleme üslubundan raga yorumuna kadar çalışının her yönünü biçimlendirir.
Hindustani Müziğinin Başlıca Çalgıları
Kemancı Yehudi Menuhin'le birlikte çalışan ve Beatles gitaristi George Harrison'ı etkileyen Ravi Shankar'ın (1920-2012) uluslararası ölçekte tanıttığı sitar; yedi ana teli, on bir ila on üç rezonans teli (çalınan notalarla birlikte titreşen teller) ve kaydırılabilir kavisli perdeleri olan uzun saplı, mızrapla çalınan bir lavtadır. Ali Akbar Khan'ın (1922-2009) en üst ustalık düzeyinde çaldığı sarod, metal klavyeli perdesiz bir lavtadır ve glissando olanağı sayesinde sitardan daha "sese benzer" bir tını üretir. Hariprasad Çaurasia ve Pannalal Ghosh'un çaldığı bansuri (bambu flüt) başlıca üflemeli çalgıdır. Alla Rakha, Zakir Hüseyin ve başkalarının çaldığı tabla, biri tiz (dayan) biri pes (bayan) iki küçük davuldan oluşur ve Hindustani müziğinin baskın vurmalı çalgısıdır. Dört ya da beş telli bir dem çalgısı olan tanpura bütün ezginin üzerinde açıldığı sürekli ses temelini sağlar.
Khayal ve Dhrupad
Hindustani klasik müziğinin iki başlıca ses türü khayal ve dhrupad'dır. Dhrupad daha eski olanıdır; on beşinci ve on altıncı yüzyıl saraylarında gelişti ve geleneksel olarak Vrindavan ve Mathura tapınaklarıyla ilişkilendirilir. Ağırbaşlı ve bilinçli olarak ağır tempoludur; uzun, ölçüsüz bir alapın ardından on iki vuruşluk çautal ritim döngüsünde bestelenmiş bölümler gelir; tabla yerine tablanın atası sayılan fıçı biçimli pakhavaj eşlik eder. Dagar ailesi yaşayan en saygın dhrupad soyudur. Farsçada "hayal" ya da "düşünce" anlamına gelen khayal daha sonra gelişti ve olgun biçimine on sekizinci ve on dokuzuncu yüzyıllarda ulaştı. Dhrupad'dan daha esnektir; daha fazla doğaçlama özgürlüğüne ve daha hızlı tempolara izin verir; bugün konser Hindustani müziğinin baskın ses türüdür. Bade Gulam Ali Khan, Bhimsen Joşi, Kişori Amonkar ve Pandit Jasraj yirminci yüzyılın büyük khayal şarkıcıları arasındadır.
Tasavvuf Etkisi: Kavvali
Hindustani müziği Babür sarayları ve tasavvuf tarikatları aracılığıyla Kuzey Hindistan'a gelen İran ve Orta Asya müzik gelenekleriyle yakın bir diyalog içinde gelişti. Çiştî tarikatıyla ilişkili ve en ünlü temsilcisi Nusret Fatih Ali Han (1948-1997) olan kavvali geleneği, en kendine özgü Hint-İslam müzik sentezlerinden birini temsil eder. Kavvali icrası yavaş bir açılıştan kademeli yoğunlaşmayla vecd dolu doruklara yükselir; bir koro, armonyum, tabla ve el çırpmalarıyla desteklenen baş şarkıcı, Hindustani klasik müziğinden alınan ritmik-modal bir çerçeve içinde Farsça, Urduca ve Pencapça dinsel şiirler okur. Delhi'deki Nizamuddin dergâhı yedi yüz yılı aşkın süredir kavvali icrasının başlıca mekânıdır.
Gelenek ve Aktarımı
Hindustani müziğinin gharanaları yalnızca üslup tercihine dayalı okullar değil, belirli bilgileri kuşaklar boyunca kalıtsal öğretimle aktaran müzisyen akrabalık ağlarıdır. Allauddin Khan'ın (Ravi Shankar ve Ali Akbar Khan'ın öğretmeni) kurduğu Maihar gharanası yirminci yüzyıl Hindustani çalgı müziğini belirleyici biçimde şekillendirdi. İmdadhani gharanası efsanevi sitarist İmdad Khan'dan gelir ve Vilayat Khan ile Şahid Parvez üzerinden sürer. Bu soyların değişen ekonomik ve eğitim yapıları karşısında yirmi birinci yüzyılda sürmesi, başlı başına çağdaş etnomüzikolojik araştırmanın konusudur.
Alıştırma: Raganın Zamanı ve Karakteri
İki raga seçin: Bhairav (sabah ragası, ağırbaşlı, dinsel) ve Yaman (akşam ragası, romantik, geniş). Her birinin kayıtlarını bir üniversite kütüphanesinden ya da Smithsonian Folkways'ten bulun. Her birinin alapından on dakika dinleyin. Her raganın anlatması beklenen duygusal karaktere katkıda bulunduğunu algıladığınız müzikal özellikleri (perde vurgusu, süsleme türleri, ezgi yönü) anlatan birer paragraf yazın.