Johann Sebastian Bach (1685-1750) yalnızca bir besteci değildir. Tüm Batı müziğinin üzerine inşa edildiği temeldir. Tür ne olursa olsun, her müzisyen onun omuzlarında durur.
TANRI'NIN HİZMETİNDE BİR HAYAT
Johann Sebastian Bach (1685-1750) bütün kariyerini küçük Alman kentlerinde görece mütevazı görevlerde geçirdi: Arnstadt ve Mühlhausen'de orgculuk, Weimar'da saray müzisyenliği, Köthen'de saray kapellmeisterliği (1717-23) ve Leipzig'deki Thomaskirche'de kantorluk (1723-1750; ömrünün sonuna kadar orada kaldı). Hayattayken Almanya dışında pek ünlü değildi; bazı çağdaşları müziğini dönemin moda hafif İtalyan galant üslubuna kıyasla eski moda, teknik olarak yoğun ve aşırı karmaşık buluyordu. Bir ünlü değil, bir zanaatkârdı. Christoph Wolff'un modern biyografilerin en yetkini sayılan Johann Sebastian Bach: The Learned Musician (W.W. Norton, 2000) kitabı, Bach'ın olağanüstü üretimini bu kurumsal hizmet bağlamına yerleştirir: Bach görevleri müzik istediği için müzik yazdı ve bunu neredeyse endüstriyel bir üretim gerektiren bir hızla yaptı.
Bach dinî eserlerinin birçoğunun elyazmasına S.D.G. (Soli Deo Gloria, "yalnızca Tanrı'ya şükür") harflerini yazdı. Bu yalnızca alışılmış bir dindarlık değildi: Bach müzik işini bir tür teolojik emek, sesin düzenlenmesini bir övgü eylemi olarak görüyordu. Matematiksel duyarlılığı (Füg Sanatı'nın girift kanonik ve ters çevrilebilir kontrpuanı, Si Minör Ayin'in yapısına işlenmiş sayısal simgecilik) derin bir manevi inançla bir arada var oldu.
KONTRPUAN: TEKNİK TEMEL
Kontrpuan, yani aynı anda duyulan, her biri kendi mantığını izlerken armonik olarak birleşen birden fazla bağımsız ezgi çizgisinin bestelenmesi, Bach sanatının temelidir. Tür kontrpuanı geleneği (Johann Joseph Fux'un 1725 tarihli Gradus ad Parnassum'unda kurala bağlanan, Bach'ın kütüphanesinde de bulunan ve müzik öğrencilerinin hâlâ kullandığı ders kitabı), seslerin bağımsız hareket edebileceği kuralları tanımlar: sesler arasında hangi aralıkların kullanılabileceği, disonansın nasıl hazırlanıp çözülmesi gerektiği, hangi ses yürütme hareketlerinin yasak olduğu. Bach bu kuralları tümüyle özümsedi ve olanaklarını kendisinden önceki ve sonraki her besteciden daha ileri götürdü.
Füg kontrpuanın en yüksek biçimidir: tek başına sunulan bir tema (konu), sonra öteki seslerde farklı perdelerde ve farklı biçimlerde (ters çevrilmiş, geriye doğru, büyütülmüş, küçültülmüş, farklı zaman aralıklarıyla) kendisiyle birleştirilir; bütün yapı, yüzeyde ezici bir zenginlik gibi duyulan, yapısal olarak anlaşıldığında ise matematiksel kesinlikte bir mimariyi açığa vuran bir karmaşıklığa doğru kurulur. Das Wohltemperierte Klavier'in 48 prelüd ve fügü (iki kitap, 1722 ve 1742), yani 24 majör ve minör tonun her birinde bir prelüd ve füg, tonal kontrpuanın şimdiye kadar yazılmış en eksiksiz keşfidir; "iyi düzenlenmiş" akort sistemlerinin çalınabilir kıldığı her tonda füg olanaklarının bütün yelpazesini gösterir.
GOLDBERG ÇEŞİTLEMELERİ VE BÜYÜK FORMLAR
Goldberg Çeşitlemeleri (BWV 988, 1741), bir arya ve onu izleyen 30 çeşitlemeden oluşur ve çözümlemeyi ödüllendiren bir yapısal titizlikle düzenlenmiştir: her üçüncü çeşitleme bir kanondur ve kanonlar giderek genişleyen aralıklarda ilerler (tek seste kanon, ikilide kanon, üçlüde kanon ve 27. çeşitlemedeki dokuzluda kanona kadar); kanonların arasındaki çeşitlemeler belirli formları (Fransız uvertürü, gig, süslemeli çeşitleme) keşfeder. Eseri açan ve kapatan arya, 30 çeşitlemenin hepsinin paylaştığı armonik bir temel plan sunar. Glenn Gould'un iki kaydı, 1955'teki ilk kayıt (hızlı, vurmalı, iddialı) ve ölümünden bir yıl önce yapılan 1981'deki son kayıt (ferah, içe dönük), müzik tarihinin üzerinde en çok çözümleme yapılan yorum çiftleri arasındadır.
Brandenburg Konçertoları (toplam altı, 1721'de ithaf edildi) aynı anda hem concerto grosso formunun gösterisi hem de olası her çalgı birleşiminin keşfidir. Bach'ın kariyeri boyunca bir araya getirilip 1749'da tamamlanan Si Minör Ayin (BWV 232) koro sanatının özetidir: boyutu ve hırsıyla her türlü liturjik işlevi aşan, Bach'ın bildiği bütün koro formlarını kapsayan bir ayin.
YENİDEN KEŞİF VE KALICI ETKİ
1750'de Bach'ın ölümünden sonra müziği, Mozart, Beethoven ve Chopin gibi müzisyenler onu kendi başlarına incelese de, geniş kamuoyunca yaklaşık 80 yıl büyük ölçüde unutuldu. Felix Mendelssohn'un 1829'da Berlin'de yönettiği Matta Pasyonu, Bach'ın kendi döneminden bu yana ilk büyük seslendirmesiydi ve o günden beri hiç durmayan Bach canlanmasını başlattı. Bugün Bach tarihte en çok seslendirilen ve kaydedilen klasik bestecilerden biridir. Etkisi sonraki bütün Batı müziğine uzanır: olgunluğa taşıdığı işlevsel tonalitenin armonik dili Beethoven'ın, Brahms'ın, Wagner'in ve cazın üzerine kurulduğu temeldir. Glenn Gould ve Angela Hewitt gibi piyanistler kariyerlerini klavye eserlerine adadı; viyolonselciler kendilerini altı viyolonsel süitiyle ilişkileri üzerinden tanımlar; Jacques Loussier ve Swingle Singers gibi caz müzisyenleri müziğini caz armonisine aktardı ve yapıların dikkat çekici bir doğallıkla aktarılabildiğini gördü.
BACH'IN KLAVYE TEKNİĞİ VE PEDAGOJİK MİRASI
Bach'ın klavye pedagojisine katkısı bestelerinin ötesine uzanır. Oğlu Wilhelm Friedemann'ın ve öğrencilerinin eğitimi için bestelediği iki ve üç sesli klavye parçaları İnvensiyonlar ve Sinfonialar (BWV 772-801), klasik müzikte en çok kullanılan öğretim malzemeleri arasında yer almayı sürdürür. Giderek artan zorlukları, iki ve üç sesli kontrpuanı sistemli biçimde kapsamaları ve öğretici amaçlarını aşan müzikal nitelikleri onları üç yüzyıldır ileri düzey öğrencilerin standart dağarı yaptı. İkinci eşi için derlenen Anna Magdalena Bach Nota Defteri, basit danslar, koraller ve aryaları teknik olarak zorlu parçaların yanında toplayarak müziği profesyonel düzeyin yanında ev düzeyinde de erişilebilir kılma bağlılığını gösterir; evi yalnızca bir eğlence yeri değil bir müzik eğitimi yeri olarak görür.
Bach'ın sonraki besteciler üzerindeki etkisi hem teknik hem felsefidir. Beethoven Das Wohltemperierte Klavier'i çocukken öğrendi ve Bach'ın kontrpuan dilini kendi işine taşıdı; Brahms Bach'ın müziğini inceledi ve yayına hazırladı, armonik dilini kısmen Bach'ın kromatik ses yürütme yaklaşımına göre biçimlendirdi; Schoenberg Bach'ın motif geliştirmesini kendi on iki ton yöntemi için bir model olarak gördü. Mendelssohn'un 1829'daki seslendirmesiyle başlayan 19. yüzyıl Bach canlanması, Bach'ı tarihsel bir meraktan kanonik bir figüre dönüştürdü ve sonraki kuşakların korumak ve incelemekle yükümlü olduğu kalıcı başyapıtlar kategorisi olarak müzik kanonu modelini kurdu. Günümüz icracıları Bach'ın müziğine uygun yaklaşımı tartışmayı sürdürür: dönem çalgıları kullanılmalı mı, Barok süsleme uzlaşımları uygulanmalı mı, tarihsel icra pratiğinin kanıtları modern icracıların ve dinleyicilerin beklentileriyle nasıl uzlaştırılmalı? Bu tartışmalar, müziğinin yerleşmiş bir anıt değil hâlâ canlı ve tartışılan bir varlık olduğunu gösterir.