Film müziği, 20. ve 21. yüzyılın en yaygın dinlenen klasik müziğidir. Hiçbir zaman konsere gitmemiş yüz milyonlarca insan, tam bir orkestranın duygusal gücünü sinema salonlarında, oturma odalarında ve kulaklıklarında deneyimlemiştir. Bu deneyimin arkasındaki zanaat, bu dersin konusudur.
Film müziği, 19. yüzyıldan beri klasik müzik kompozisyonunun ticari açıdan en önemli koludur ve çoğu insanın orkestra müziğini deneyimlediği başlıca bağlamdır. Nasıl işlediğini teknik, psikolojik ve tarihsel olarak anlamak hem sinemayı hem de müziği aydınlatır.
SESSİZ FİLM DÖNEMİ (1895-1927): Sessiz filmler aslında hiçbir zaman sessiz değildi. Filmlere en başından beri canlı müzik eşlik ediyordu: önce tek bir piyano ya da org, sonra büyük sinema salonlarında küçük topluluklar ya da tam orkestralar. Müziğin işlevi kısmen teknikti (makinenin gürültüsünü bastırıyordu), kısmen de psikolojikti (seyircinin görüntülere verdiği duygusal tepkiyi yönlendiriyordu). Orgcular ve piyanistler, perdedeki olaylara göre kullanabilecekleri, belirli duygu ya da durumlarla ilişkilendirilmiş pasajlardan oluşan bir müzikal "cue" (işaret parçası) dağarı geliştirdi.
SESİN GELİŞİ (1927-1935): The Jazz Singer (1927), senkronize konuşma ve şarkı içeren ilk ticari uzun metrajlı filmdi (bir yıl önce Don Juan yalnızca senkronize müzik ve efekt içermişti). Bu, özel olarak bir film için yazılan ve olaylarla tam olarak eşzamanlanan bestelenmiş film müziği ihtiyacını doğurdu. Max Steiner'ın King Kong (1933) için yazdığı müzik, Hollywood film müziğine on yıllarca egemen olacak modeli kurdu: saniyesi saniyesine zamanlanmış ve görüntüye uygun kaydedilmiş, leitmotif'ler (karakterlerle ya da durumlarla ilişkilendirilen belirli temalar; Wagner'den alınmış bir teknik) kullanan büyük bir orkestra.
KLASİK HOLLYWOOD FİLM MÜZİĞİ (1935-1960): Hollywood stüdyo sistemi olağanüstü bir besteci yeteneği yoğunlaşması yarattı. Erich Wolfgang Korngold (The Adventures of Robin Hood, 1938), Bernard Herrmann (Citizen Kane, 1941; Vertigo, 1958; Psycho, 1960), Miklós Rózsa (Ben-Hur, 1959) ve Dimitri Tiomkin, ticari film yapımının kısıtları içinde gerçek bir klasik müzik iddiası taşıyan müzikler yarattı. Herrmann'ın yalnızca yaylı çalgılar için yazdığı, bakır ve tahta üflemeli çalgı kullanmayan Psycho müziği, film müziği tarihinin en ünlü ve en çok taklit edilen müziklerinden biridir. Duş sahnesinin tiz, çığlık gibi yaylı darbelerinden oluşan "cinayet müziği", sinemanın en kolay tanınan müzik anlarından biridir.
FİLM MÜZİĞİNİN PSİKOAKUSTİĞİ: Film müziği birkaç psikoakustik ilkeden yararlanır. Uyum (bir sahnenin duygusal içeriğine uyan müzik) seyircinin duygusal tepkisini güçlendirir ve netleştirir: hüzün için minör tonlar, sevinç için majör tonlar, heyecan için hızlanan tempo. Uyumsuzluk (sahnenin içeriğiyle çelişen müzik) ironi, gerilim ya da dehşet yaratır: şiddet sahnelerinin üzerinde neşeli müzik çalan Kubrick tekniği buna örnektir (A Clockwork Orange'da bir saldırı sırasında söylenen "Singin' in the Rain"). Hazırlama (ilgili sahneden önce duygusal bir bağlam kurmak) beklenti yaratır ve sahne geldiğinde tepkiyi yükseltir.
JOHN WILLIAMS VE NEO-ROMANTİK CANLANIŞ: Jaws (1975), Star Wars (1977), E.T. (1982), Schindler's List (1993) ve onlarca başka filmin bestecisi John Williams, büyük orkestralı, leitmotif'e dayalı Hollywood film müziği geleneğini tam da pop müzikli ve elektronik film müzikleri uğruna terk edilmekteyken yeniden canlandırdı. Star Wars müziği, özünde bilimkurguya uygulanmış bir geç Romantik senfonidir; Holst'tan, Stravinsky'den ve özellikle Wagner'in Nibelung'un Yüzüğü döngüsünden beslenir. Başarısı, seyircinin orkestralı film müziğine hâlâ açık olduğunu gösterdi ve sonraki bütün gişe filmlerinin müzikleri için şablonu belirledi.
ELEKTRONİK VE KARMA FİLM MÜZİĞİ (1950'ler-günümüz): Elektronik ses film müziğine Bebe ve Louis Barron'ın Forbidden Planet (1956) için yarattığı tümüyle elektronik müzikle girdi; synthesizer ise Wendy Carlos'un A Clockwork Orange (1971) müziğiyle öne çıktı ve orkestralı film müziğine paralel bir gelenek oluşturdu. Giorgio Moroder'in Midnight Express (1978) için yaptığı synthesizer müziği Oscar kazanarak elektronik film müziğini meşrulaştırdı. Günümüzün gişe filmlerinin müzikleri genellikle canlı orkestrayı elektronik prodüksiyonla birleştirir: Hans Zimmer'ın Inception (2010) ve Interstellar (2014), Jonny Greenwood'un There Will Be Blood (2007) ve The Power of the Dog (2021) müzikleri ve Ennio Morricone'nin bütün yapıtı, film müziğinin kapsayabileceği yelpazeyi gösterir. Dinleme platformları çağında film müziği ile dizi müziği arasındaki sınır giderek geçirgenleşti: prestijli diziler film bestecileriyle çalışıyor (Trent Reznor ve Atticus Ross HBO dizisi Watchmen'in müziğini yaptı) ve müziği daha önce yalnızca sinema filmlerine gösterilen bir ciddiyetle ele alıyor; Ennio Morricone'nin Sergio Leone westernleri için yazdığı temalar ise sayısız sonraki yapımda yeniden kullanıldı. Var olan kayıtların film, dizi ve reklamlarda kullanılmak üzere lisanslanmasından sorumlu profesyonel olan müzik süpervizörü, müzik endüstrisinin kültürel açıdan en etkili figürlerinden biri haline geldi: sönmüş kariyerleri canlandırabiliyor (Kate Bush'un 1985 tarihli "Running Up That Hill"i, 2022'de Stranger Things'in 4. sezonunda kullanılmasının ardından yeni bir kuşak dinleyiciye ulaştı ve İngiltere'de ilk kez bir numaraya çıktı), yeni sanatçılar tanıtabiliyor ve şarkılarla görsel anlar arasında, o şarkıların nasıl duyulduğunu kalıcı olarak değiştiren kültürel bağlar kurabiliyor. Geniş anlamıyla film ve dizi müziği artık yalnızca müziktir: konser müziği, popüler müzik ve ambient müzikle sınırları, tür adlarının tek tek eserlerin özgün niteliklerinden daha az yararlı göründüğü ölçüde erimiştir. Film müziğinin akademik incelemesi 1990'lardan beri belirgin biçimde hızlandı ve daha önce anekdot ile sezginin egemen olduğu bir alana çözümsel titizlik getiren kuramsal çerçeveler üretti: Claudia Gorbman'ın "duyulmayan ezgiler" kavramından (film müziğinin en güçlü etkisini seyirci onu bilinçli olarak dinlemediğinde gösterdiği fikri) Michel Chion'un sinemada ses ile görüntünün birbirini karşılıklı olarak dönüştürmesini inceleyen "odyo-vizyon" kuramına kadar. Film müziği kompozisyonunda uygulamalı eğitim de daha sistemli hale geldi: Berklee College of Music, USC Thornton School ve Royal College of Music'teki programlar öğrencileri özellikle ekran müziği için gereken teknik ve ortak çalışma becerileri konusunda yetiştiriyor. Sonuç, eğitimi çoğu zaman gayriresmî olan ya da stüdyolardaki kadrolu görevlerden gelen öncüllerine göre işe daha fazla kuramsal donanım getiren bir besteci kuşağıdır. Bu donanımın daha iyi film müziği üretip üretmediği, her dinleyicinin kendi zevki ve deneyimiyle yanıtlayacağı bir sorudur; kesin olarak ürettiği şey ise film müziğinin ne yaptığı ve neden yaptığı üzerine daha donanımlı bir konuşmadır.