'Klasik müzik', sekiz yüzyıllık Batı sanat müziğini kapsar. Her Batılı müzisyenin üzerinde durduğu temeldir.
"KLASİK MÜZİK" GERÇEKTE NE DEMEK
"Klasik müzik" terimi birbirinden ayrılması gereken iki anlamda kullanılır. Gündelik kullanımda, Orta Çağ'dan günümüze bestelenmiş ve yazıya geçirilmiş müziğin, yani Batı sanat müziğinin bütün geleneğini anlatır. Daha dar anlamda Klasik dönem, kabaca 1750-1820 arasını kapsayan, Haydn, Mozart ve erken dönem Beethoven'la özdeşleşen, biçimsel açıklık, dengeli cümle yapısı ve sonat formunun gelişimiyle belirginleşen dönemdir. İki kullanımı da anlamak gerekir, çünkü bütün gelenek geçmişle kesintisiz bir ilişkiyle birbirine bağlıdır: her dönem kendini kısmen öncekine verdiği tepki ve onu genişletme biçimiyle tanımlar.
ORTA ÇAĞ, RÖNESANS VE BAROK
Orta Çağ kutsal müziği kiliseden ayrılamazdı. Tek sesli ibadet ezgisi olan Gregoryen ilahi, kabaca 500-1200 arasında egemen müzik biçimiydi. Çok sesliliğin, yani aynı anda duyulan birden fazla bağımsız sesin gelişimi 12. yüzyılda Paris'teki Notre Dame Katedrali'nde Léonin ve Pérotin'in organum'larıyla başladı, Philippe de Vitry ve Guillaume de Machaut'nun 14. yüzyıl Ars Nova'sıyla genişledi ve en büyük karmaşıklığına Josquin des Prez ile Giovanni Pierluigi da Palestrina'nın Rönesans çok sesliliğinde ulaştı. Trento Konsili (1545-63) kilise müziğini sözün anlaşılır olmasını şart koşarak düzenlemeye çalıştı; Palestrina'nın berrak kontrpuanı bu kısıtı müzikal inceliğinden ödün vermeden karşılayabildi.
Barok dönem (1600-1750) operayı (Monteverdi'nin L'Orfeo'su, 1607, ilk büyük operadır), çalgısal konçertoyu (üç bölümlü formu Vivaldi yerleştirdi) ve füg'ü (en büyük örneği Bach'ın Füg Sanatı'dır) getirdi. Johann Sebastian Bach'ın yapıtı Barok kontrpuan sanatının doruğunu temsil eder: İyi Düzenlenmiş Klavye'de, Goldberg Çeşitlemeleri'nde, altı Brandenburg Konçertosu'nda ve Matta Pasyonu'nda ton sistemini hem matematiksel hem duygusal olarak keşfetmesi, Barok çerçevedeki neredeyse bütün biçimsel ve teknik olanakları kapsar. George Frideric Handel'in oratoryoları (Messiah, 1741), kutsal koro geleneğinin dramatik olanaklarını gösterdi.
KLASİK DÖNEM VE BEETHOVEN'IN GENİŞLETMESİ
Haydn, Mozart ve erken dönem Beethoven, Klasik dönemin biçimsel idealini tanımlar: dengeli cümle yapısı, açık armoni dili, formun dinleyiciye saydam olması ve duygusal anlatımın aşırılıktan değil biçimsel denetimden doğması ilkesi. Haydn yaylı dörtlüyü olgun biçimine kavuşturdu; Mozart'ın piyano konçertoları, operaları ve son senfonileri biçimsel kusursuzluğu temsil eder. Beethoven'ın orta ve son dönemleri bu formları çarpıcı biçimde genişletti: Eroica Senfonisi (1804) kendinden önceki senfonilerin çoğundan belirgin biçimde uzundur ve gelişme bölümü ölçeği ve armonik cesaretiyle eşi görülmemiş niteliktedir. Charles Rosen The Classical Style (1971) kitabında Beethoven'ın Klasik formdan kopmadığını, onu içeriden sınırlarına kadar zorladığını savunur.
ROMANTİK DÖNEM VE 20. YÜZYIL
Romantik dönem (1820-1900) orkestrayı büyüttü, müzik formlarını uzattı ve müziği edebi ve felsefi programlara bağladı. Schubert'in şarkı döngüleri (Winterreise, 1827) samimi bir lirik gelenek yarattı; Brahms'ın dört senfonisi Klasik yapısal düşünceyi Romantik armoni diliyle temsil etti; Wagner'in müzikli dramları (Tristan und Isolde, 1865; Nibelung'un Yüzüğü döngüsü, 1876) kromatizmi işlevsel tonalitenin kenarlarından çözülmeye başladığı noktaya kadar genişletti.
20. yüzyıl köklü bir parçalanmaya sahne oldu. Schoenberg'in on iki ton yöntemi (dodekafoni), 12 kromatik sesi sıralı diziler halinde düzenleyerek ton hiyerarşisini tümüyle bıraktı. Stravinsky'nin neoklasisizmi Romantik öncesi biçimsel açıklığa döndü. Bartók halk müziğinin modal yapısını modernist kromatizmle birleştirdi. Messiaen kuş seslerinden, ritmik modlardan ve Katolik teolojisinden bir müzik dili yarattı. Minimalizm (Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass) müzikal malzemeyi ince çeşitlemelerle yinelenen basit kalıplara indirgedi.
KONSER VE KANON
Batı klasik konseri, yani dinleyicinin sessizce oturduğu ve profesyonellerin kültürel önemi kabul görmüş bestelenmiş eserleri çaldığı resmî etkinlik, doğal bir durum değil tarihsel bir gelişmedir. Bildiğimiz konser biçimi 19. yüzyılda konser salonunun, profesyonel orkestranın ve kanon kavramının (korunmayı ve tekrar tekrar çalınmayı hak eden büyük eserler bütünü) gelişimiyle birlikte kristalleşti. Beethoven'ın senfonileri, Mozart'ın operaları ve Bach'ın kontrpuanı yalnızca içsel nitelikleriyle değil, onları erişilebilir kılan ve sürekli çalınmalarını sağlayan konservatuvarların, konser derneklerinin ve müzik yayıncılarının kurumsal yatırımlarıyla kanonlaştı.
20. yüzyıl avangardının bu kanonu reddetmesi, yani Cage'in rastlantısal (aleatorik) müziği, Boulez'in serializmi, Stockhausen'ın mekânsal müziği, kısmen estetik, kısmen de siyasi bir tepkiydi: kanonun temsil ettiği kültürel otoritenin reddi. Alex Ross The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century (Farrar, Straus and Giroux, 2007) kitabında bu hikâyeyi olağanüstü bir açıklıkla anlatır ve 20. yüzyılın klasik müzik kavgalarının siyasi tarihinden ayrılamayacağını gösterir. Çağdaş klasik müziğin bugünkü dönemi bu kavgaların verimli bir biçimde çözülmesiyle belirginleşir: minimalist ve maksimalist, tonal ve atonal, elektronik ve akustik yaklaşımlar önceki kuşağı bölen polemik aciliyeti olmadan bir arada var olur.
Klasik geleneğin süregiden önemi, aşk, kayıp, aşkınlık ve ölümlülükle yüzleşme gibi temel insan deneyimlerini yüzyıllar boyunca inceltilmiş titiz biçimsel yapılarla ele alabilmesinde yatar. Yaşayan besteciler bu miras formların içinde ve ötesinde yeni olanaklar bulmayı sürdürürken yerleşik dağar, kültürel ve tarihsel uzaklıkları şaşırtıcı bir dolaysızlıkla aşar. Konservatuvarlar, orkestralar, opera binaları ve müzikoloji disiplininden oluşan kurumsal altyapı bu birikimin kuşaklar boyunca korunup aktarılmasını sağlar; bu altyapı hem istikrar hem de zorluk getirir: standartları korurken zaman zaman gerekli yenilenmeye direnir.