Elektronik müzik, teknoloji ve sanatın en verimli buluşmasıdır. Başlangıcından günümüze tam bir tarih.
LABORATUVARDAN SAHNEYE: ÖN TARİH
Elektronik müziğin kökenleri kulüplerde ya da konser salonlarında değil, fizik laboratuvarlarında ve elektriğin ses üretebileceğini kavrayan mucitlerin hayal gücünde yatar. Thaddeus Cahill'in Telharmonium'u (ilk patenti 1897), elektronik sesler üretip bunları telefon hatları üzerinden abonelere ileten yaklaşık 200 tonluk klavyeli bir çalgıydı; elektronik müziği büyük ölçekte yaratmaya yönelik ilk ciddi girişimdi, ticari olarak uygulanamazdı ama kavramsal olarak ileri görüşlüydü. Leon Theremin'in theremin'i (1920) geniş kültürel görünürlük kazanan ilk elektronik çalgıydı: çalıcı perdeyi ve ses düzeyini, çalgıya hiç dokunmadan ellerini iki antenin yakınında hareket ettirerek denetler. Clara Rockmore'un virtüözce icraları çalgının müzikal ciddiyetini gösterdi; Olivier Messiaen ise ona akraba bir çalgı olan ondes Martenot'yu orkestrasına kattı.
Musique concrète ve elektronische Musik, elektronik sesle kompozisyonun 1940'ların sonu ve 1950'lerin başında Paris ve Köln'de eşzamanlı olarak geliştirilen iki temel yaklaşımıdır. Pierre Schaeffer Paris'te, sonradan Groupe de Recherches Musicales (GRM) adını alacak stüdyoda gerçek dünyadan kaydedilmiş sesleri (trenler, topaçlar, kanal tekneleri) kayıt stüdyosunun araçlarıyla, yani kurgu, hız değişimi ve tersine çevirmeyle işledi. Études de bruits (1948) bu yaklaşımın kurucu belgesidir. Köln'deki WDR elektronik stüdyosunda Karlheinz Stockhausen ise tersi bir yaklaşım benimsedi: saf sinüs dalgası üreteçleriyle sesi sıfırdan kurmak ve elektronik kompozisyonu akustik spektrumların matematiksel düzenlenmesi olarak tanımlamak. Elektronik seslerle işlenmiş bir çocuk sesini birleştiren Gesang der Jünglinge (1956), elektronik kompozisyonun ilk başyapıtıdır.
ROBERT MOOG VE SENTEZİN DEMOKRATİKLEŞMESİ
Robert Moog'un ticari modüler synthesizer'ı (1964) ve ardından gelen Minimoog (1970), elektronik müziği bir laboratuvar pratiğinden müzisyenin aracına dönüştürdü. Stüdyoya dayalı elektronik kompozisyon mühendislerin kullandığı pahalı ekipman gerektirirken, Moog synthesizer müzisyenlerin çalmayı öğrenebileceği bir çalgıydı. Moog sentezinin Bach'ın klavye eserlerinin müzikal inceliğine ve yapısal bütünlüğüne ulaşabileceğini gösteren Wendy Carlos'un Switched-On Bach (1968) albümü bir milyonu aşkın sattı ve synthesizer'ın müzikal itibarını kurdu.
Kraftwerk'in 1970'ler boyunca gelişimi, elektronik popüler müziğin ilk eksiksiz vizyonunu temsil eder: Autobahn (1974), Trans-Europe Express (1977) ve The Man-Machine (1978), tümüyle synthesizer'lardan, davul makinelerinden ve vocoder'lardan kurulmuş, teknoloji, hareket ve insan ile mekanik arasındaki ilişki temalarını işleyen bir müzik dili oluşturdu. Simon Reynolds Energy Flash (Picador, 1998) kitabında Kraftwerk'in elektronik müzikteki sonraki her gelişme üzerindeki etkisini izler: hip-hoptan (Afrika Bambaataa "Planet Rock"ta Trans-Europe Express'in ezgisini yeniden çaldı) Detroit techno'suna ve Berlin minimaline kadar.
HOUSE, TECHNO VE KULÜP KÜLTÜRLERİ
Chicago house müziği 1980'lerin başında Warehouse kulübünden (DJ Frankie Knuckles) ve Music Box'tan (DJ Ron Hardy) doğdu. Roland TR-808 ve TR-909 davul makinelerini ve Roland TB-303 bas synthesizer'ını kullanıyordu: üreticilerin ticari başarısızlık saydığı, ama DJ'lerin dans pistine tam uyan kendine özgü bir ses karakteri taşıdığını keşfettiği çalgılar. 808'in esnek bas davulu ve 303'ün köpüren, "acid" distorsiyonlu bas çizgisi house müziğinin ses kimliğini belirledi.
Juan Atkins, Derrick May ve Kevin Saunderson'ın (Belleville Üçlüsü) geliştirdiği Detroit techno, Kraftwerk'in mekanik vizyonunu ve Chicago house'un ritmik itkisini daha yalın ve kavramsal olarak daha iddialı bir müzikte birleştirdi. Derrick May'in techno'yu "bir asansörde mahsur kalmış George Clinton ve Kraftwerk" olarak tanımlaması, bu müziğin ikili mirasını özetler. 1980'lerin sonu ve 1990'ların başının İngiliz rave kültürü, ambient techno (Aphex Twin, The Orb), drum and bass ve ardından gelen elektronik alt türlerin çoğalması, her biri bu temel biçimlerden çıkan ayrı birer gelişmeyi temsil eder. Mark Prendergast The Ambient Century (2000) kitabında, Brian Eno'nun ambient müzik kavramının dans müziğiyle paralel gelişerek çağdaş elektronik müziğin bütün manzarasını nasıl ortaya çıkardığını en kapsamlı biçimde anlatır.
YAZILIM VE BUGÜN
Elektronik müzik prodüksiyonunun yazılım aracılığıyla, yani uygun fiyatlı dijital ses iş istasyonları, VST eklentileri ve sample kütüphaneleriyle demokratikleşmesi, stüdyo kalitesinde elektronik prodüksiyonu dizüstü bilgisayarı olan herkesin erişimine açtı. Bu, hem olağanüstü bir müzik çoğalması hem de ticari farklılaşmayı giderek zorlaştıran bir prodüksiyon kalitesi eşitlenmesi yarattı. Bugünkü donanım canlanışı, yani müzisyenlerin fiziksel synthesizer'lara, davul makinelerine ve modüler sistemlere dönmesi, hem analog elektroniğin ses karakterine yönelik estetik bir tercihi hem de yazılımın yeniden üretemediği bedensel, icraya dayalı boyutu arama isteğini temsil eder.
ELEKTRONİK MÜZİK VE BEDEN
Elektronik dans müziğinin bedenle ilişkisi en ayırt edici özelliğidir. Esas olarak kulakla algılanan akustik konser müziğinin aksine, büyük ses sistemlerinden yüksek sesle çalınan elektronik müzik bütün bedeni etkiler: 60 Hz'in altındaki sub-bas frekansları göğüste ve karında hissedilir; bas davulun fiziksel etkisi işitsel olduğu kadar dokunsaldır. Kulüp müziği bu fiziksel boyutu özellikle tasarlar: 808 bas davulu, dubstep'in sub-bası, yüksek sesteki büyük bir sistemin fiziksel basıncı. Simon Reynolds Energy Flash'ta rave'in belirli duyusal koşullarını, yani karanlığı, ses düzeyini, yinelemeyi ve topluluğu, müziğin daha büyük bir kolektif bedensel deneyimin yalnızca bir bileşeni olduğu eksiksiz bir deneyim sistemi olarak çözümler.
Elektronik müziğin süregiden canlılığı temel önermesinden gelir: her ses müzikal malzeme, her süreç bir kompozisyon aracı olabilir. Bu köklü açıklık sürekli yeniden icadı güvence altına alır. Uygun fiyatlı dijital araçlar, öncülerin hayal ettiği olanağı, yani yaratıcı bir vizyonu olan her bireyin karmaşık müzikal fikirleri kurumsal kaynaklar olmadan gerçekleştirebilmesini büyük ölçüde gerçeğe dönüştürdü. Deneysel müziğin konser salonlarından festival EDM'inin dev sahnelerine kadar elektronik müzisyenler düzenlenmiş sesin sınırlarını genişletmeyi sürdürüyor; her kuşak insan yaratıcılığı ile makine yeteneği arasındaki ilişkide yeni olanaklar keşfediyor.