Elektronik müziğin 100 yıllık bir tarihi vardır. Bu 25 albüm, erken deneylerden çağdaş dans müziğine uzanan gelişimi izler — her biri bir dönüm noktasıdır.
ÖNCÜLER (1940'lar-1970'ler): Pierre Schaeffer - Études de bruits (1948): ilk musique concrète; trenlerin, topaçların, kanal teknelerinin kaydedilmiş sesleri besteler hâlinde birleştirildi. Wendy Carlos - Switched-On Bach (1968): Moog synthesizer'ı Bach aracılığıyla dünyaya tanıtıldı; sentezin neyi ifade edebileceğini değiştirdi. Tangerine Dream - Phaedra (1974): Alman kosmische musik; manzara olarak uzun soluklu synthesizer dronları. Kraftwerk - The Man-Machine (1978): en rafine hâliyle synthesizer popu; robotlar, makineler, gelecek.
POST-PUNK, NEW WAVE VE SYNTH-POP (1979-1990):
Gary Numan - The Pleasure Principle (1979): popta gitarın yerini synthesizer'lar alıyor. Depeche Mode - Violator (1990): synth-pop'un sanatsal zirvesi.
CHICAGO HOUSE VE DETROIT TECHNO (1986-1993):
Çeşitli Sanatçılar - The House Sound of Chicago (1986): house müziğin doğuşunun belgesi. Derrick May - Innovator (derleme, 1997): Detroit techno'nun merkezî figürü; derleme 1987-1990 arası kayıtları topluyor.
RAVE VE ELEKTRONİK DANS MÜZİĞİ (1990'lar): Orbital - Orbital 2 (The Brown Album) (1993): destansı kompozisyon olarak rave müziği. Aphex Twin - Selected Ambient Works Volume II (1994): dijital çağa uzanan ambient geleneği. The Chemical Brothers - Exit Planet Dust (1995): big beat; elektronik biçimde rock enerjisi. Daft Punk - Homework (1997): dünyaya Fransız house'u.
MODERN (2000'ler-bugün): Four Tet - Rounds (2003): samimi, akustikten etkilenmiş kompozisyon olarak elektronik müzik. Flying Lotus - Cosmogramma (2010): hip-hop, caz ve elektronik füzyonu. James Blake - James Blake (2011): post-dubstep ve vokal minimalizmi. Oneohtrix Point Never - R Plus Seven (2013): felsefi bir sorgulama olarak synthesizer müziği.
BU ALBÜMLER NEDEN ÖNEMLİ
Elektronik müziğin tarihi, teknolojinin yeni ses olanakları açmasının ve müzisyenlerin bu olanaklara anlatımsal anlam kazandırmanın yollarını bulmasının hikâyesidir. Léon Theremin'in 1920'de icat ettiği theremin, fiziksel temas olmadan çalınan ilk çalgıydı: çalan kişinin iki anten çevresindeki elektromanyetik alandaki hareketleri perdeyi ve ses düzeyini denetler. Ürpertici, şarkı söyleyen tonu 1950'lerin bilimkurgu filmlerinin sesi oldu, ama Clara Rockmore gibi müzisyenler onu klasik konser dağarını çalmak için çok daha iddialı biçimde kullandı. Synthesizer'ın 1960'lardaki gelişimi, oda büyüklüğündeki RCA Mark II Sound Synthesizer'dan Robert Moog'un taşınabilir voltaj kontrollü synthesizer'ına uzanarak elektronik ses yaratımını demokratikleştirdi; Wendy Carlos'un Switched-On Bach'ı (1968) klasik müzik dinleyicilerine elektronik çalgıların akustik çalgılarla karşılaştırılabilir anlatımsal sonuçlara ulaşabileceğini gösterdi.
1970'ler ve 1980'lerde elektronik dans müziğinin gelişimi, elektronik müziğin kültürel açıdan en büyük sonuçlar doğuran yayılmasıydı. Giorgio Moroder'in Münih'teki disko prodüksiyonları, Kraftwerk'in Düsseldorf'taki mekanik fütürizmi, Chicago'nun Warehouse partilerinin house müziği ve Detroit'in sanayi sonrası manzarasından doğan techno; hepsi daha önce var olmamış bir müzik yaratmak için elektronik çalgılardan yararlandı: yalnızca yeni sesler değil, müzik için yeni toplumsal işlevler. 1980'lerin sonu ve 1990'ların başında İngiltere'de filizlenen, Roland TR-909 ve TB-303'le beslenen rave kültürü, drum and bass, jungle, trance, dubstep ve ötesiyle evrilmeyi sürdüren küresel bir dans müziği kültürü yarattı.
Çağdaş elektronik müzik prodüksiyonu bu albümlerin belgelediği tarihten ayrılamaz, çünkü bugün çalışan müzisyenlerin elindeki prodüksiyon araçları ve estetik tercihler doğrudan bu kayıtlarda yakalanan yeniliklerden türer. Neredeyse bütün çağdaş pop, hip-hop ve elektronik müzik prodüksiyonlarında karşımıza çıkan Roland TR-808 ve TB-303 sesleri, bu makineleri üreticilerinin öngörmediği biçimlerde ilk kullanan sanatçıların doğrudan mirasıdır. Bu tarihi anlamak yalnızca akademik değildir: müzisyenlere hangi seslerden ve prodüksiyon yaklaşımlarından neden yararlanmak istediklerine dair bilinçli kararlar verme bağlamı sağlar. Avangart sanat, kulüp eğlencesi, ambient ortam ve pop prodüksiyonu olarak elektronik müzik arasındaki ayrım, sanatçılar, teknoloji ve dinleyiciler arasındaki gerçekten farklı ilişkileri yansıtır. Bu listedeki müzisyenleri ayıran şey, yeni teknolojilerdeki yaratıcı olanakları henüz apaçık hâle gelmeden duyabilmeleri ve bu olanakları kalıcı önem taşıyan kayıtlara dönüştürecek müzikal duyarlılığa sahip olmalarıdır. Teknolojik merak ile müzikal derinliğin bu birleşimi, elektronik çalgılarla çalışan her müzisyenin geliştirmeye değer bir niteliktir: çalgı ile prodüksiyon aracı arasındaki sınır her zaman tarihsel olarak değişkendir ve en yaratıcı müzisyenler dönemlerinin sunduğu teknolojiyle her zaman gerçek müzik yapmanın yolunu bulmuştur.