Ambient müziğin yüzyıllık bir tarihi vardır. Bu 20 albüm Satie'nin 'mobilya müziği'nden çağdaş üretken ve elektronik ambient'e gelişimini izler.
ÖNCÜLER (1888-1970):
Erik Satie - Gymnopédies / Gnossiennes (1888/1890): durağan, baskın olmayan, atmosferik piyano müziği. Satie'nin "mobilya müziği" (musique d'ameublement) kavramı ise daha sonra, 1917-1920 arasında ortaya çıktı: dinlenmek için değil ortamın parçası olmak için yazılmış müzik fikrinin ilk açık dile getirilişi. John Cage - In a Landscape (1948): minimalizm var olmadan önceki Amerikan minimalizmi. Terry Riley - A Rainbow in Curved Air (1969): bant döngüleri ve minimalist süreç; ambient'in adı konmadan önceki ambient.
BRIAN ENO'NUN AMBIENT DİZİSİ (1978-1982):
Brian Eno - Ambient 1: Music for Airports (1978): türün adı kondu ve tanımlandı. Harold Budd ve Brian Eno - Ambient 2: The Plateaux of Mirror (1980): saf doku olarak piyano ve elektronik. Brian Eno - Ambient 4: On Land (1982): coğrafi bir manzara olarak ambient.
KOSMISCHE VE ALMAN ELEKTRONİK MÜZİĞİ:
Klaus Schulze - Irrlicht (1972): sözcük var olmadan önceki drone ambient. Tangerine Dream - Phaedra (1974): manzara olarak Alman kosmische müziği.
APHEX TWIN VE RAVE SONRASI AMBIENT (1991-1994):
The Orb - Adventures Beyond the Ultraworld (1991): ambient house; rave'den iniş. Aphex Twin - Selected Ambient Works Volume II (1994): dijital araçlar ve karanlıkla yeniden icat edilen tür.
1998 SONRASI:
Boards of Canada - Music Has the Right to Children (1998): nostaljik elektronik ambient. William Basinski - The Disintegration Loops (2002-03): bozulan bant döngülerinin kayıtları; çürüme ve zaman olarak ambient. Four Tet - Rounds (2003): akustik sample'lar ve elektronik işleme. Eluvium - Similes (2010): orkestral ambient; gür, sarıp sarmalayan. Nils Frahm - Spaces (2013): konser salonunda piyano ve elektronik. Arca - Arca (2017): ses ve elektronik doku; ambient'in queer avangardı.
BU ALBÜMLER NEDEN ÖNEMLİ
Ambient müziğin ayrı bir tür olarak tarihi, Brian Eno'nun aynı anda hem dinlenebilen hem görmezden gelinebilen, odaklı dikkat istemek yerine bir ortamı zenginleştiren müzik kavramıyla başlar. Eno terimi 1978'de, geçiş mekânlarında edilgen dinleme için tasarlanan ve Erik Satie'nin musique d'ameublement (mobilya müziği) kavramından ve John Cage'in sessizlik ve çevresel ses üzerine fikirlerinden beslenen Ambient 1: Music for Airports ile ortaya attı. Ama ambient duyarlılığın daha derin kökleri vardır: Claude Debussy'nin 20. yüzyıl başındaki, atmosferik tınıları ve doğal ortamları sezdirmesiyle izlenimci piyano müziği ambient müziğin kaygılarını önceden haber verdi; 1960'larda geleneksel müzikal gelişme yerine süreyi ve dinleyicinin algısal deneyimini öne çıkaran La Monte Young ve Pauline Oliveros'un drone temelli eserleri de öyle.
Tangerine Dream ve Klaus Schulze'nin 1970'lerin başındaki kayıtları, Eno'nun ambient çalışmalarını ve sonraki new age müziğinin gelişimini etkileyen synthesizer temelli atmosferik bir müzik geleneği kurdu. 1980'lerin sonu ve 1990'larda ambient müzik elektronik dans kültürüyle kesişerek ambient techno'yu, ambient house'u ve rave deneyiminin vazgeçilmezi olan chillout odası estetiğini üretti. Aphex Twin'in Selected Ambient Works Volume II'si (1994) ambient müziğin aynı anda teknik olarak incelikli, duygusal olarak yoğun ve gerçekten tedirgin edici olabileceğini göstererek türün duygusal yelpazesini huzurlu ve meditatif olanın ötesine, daha rahatsız edici ve karmaşık bir alana genişletti.
Ambient müzik müzisyenlere bir dinleme modeli de sunar: ezgisel ve armonik gelişme beklentisini askıya alıp doku, tını ve süreyle daha sarmalayıcı, mekânsal bir ilişki kuran bir sese dikkat etme biçimi. Ambient müzikle süreklilik içinde kurulan bu dinleme kipi, hangi ses öğelerinin dikkati hak ettiğine ve sessizlik ile boşluğun müzikal malzeme olarak nasıl işlediğine dair farkındalığı genişleterek müzisyenlerin doğaçlamaya, kompozisyona ve prodüksiyona yaklaşımını dönüştürebilir. Bu listedeki besteciler ve sanatçılar, dikkat geriye kalana yeterli kesinlikle odaklandığında müzikal araçları azaltmanın daha az değil daha fazla anlatım zenginliği üretebileceğini gösterir. Arvo Pärt'ın, bir sesin ezgisel olarak hareket ettiği, ötekinin ise tonik üç sesli akorun notalarıyla sınırlandığı tintinnabuli yöntemi aşırı sadelikten olağanüstü duygusal güçte bir müzik yaratır. Eno'nun sisteme dayalı besteleri, anlık kompozisyon denetimini yordamsal kurallara bırakmanın geleneksel kompozisyonla elde edilemeyecek beklenmedik sonuçlar üretebileceğini gösterir.
Ambient müziğin kültürel önemi, müziğin ne olduğuna ve nasıl dinlenmesi gerektiğine dair baskın Batı modeline meydan okumasında da yatar. Eno ve ardılları odaklı değil çevresel dikkat için tasarlanmış müzik yaratarak, müziğin her zaman en iyi bilincin birincil nesnesi olarak deneyimlendiği varsayımını sorguladı; bu varsayım Batı konser ve kayıt kültürüne o kadar yerleşmiştir ki çoğu müzisyen ve dinleyici onu sorgulamadan kabul eder. Ambient geleneğin, müziğin dikkat talep etmek yerine ortamlar yarattığı ve zenginleştirdiği alternatif modeli, ses atmosferine dair gerçek insani ihtiyaçlara yanıt verir ve uzun tutulan seslerin, yavaş değişimin ve disiplinli ölçülülüğün anlatım gücünden öğrenen sayısız popüler, elektronik ve klasik müzisyenin prodüksiyon yaklaşımını biçimlendirerek ambient türün çok ötesinde etkili olmuştur. Geleneğin belki de en değerli dersi, en yüksek anlatımın en yüksek karmaşıklığı gerektirmediği ve en güçlü müziğin çoğu zaman bestecinin ya da icracının başlattığını tamamlaması için dinleyiciye güvenen müzik olduğudur.